«Свидания» с театрами всего мира
спектакль «Валентин и Валентина»
Ежегодно поздней осенью в Рязани, несмотря на капризы погоды, наступает пора свиданий. Я имею в виду Международный фестиваль спектаклей о любви «Свидания на Театральной». Он проводится в Рязанском театре драмы с 2016 года каждый ноябрь. 21 ноября 2021 года завершился уже шестой смотр. 24 ноября были оглашены его победители. Но я хочу рассказать не только о недавно прошедшем фестивале, но и о «Свиданиях на Театральной» в целом и о том, что они привносят в культурную жизнь Рязани.
За шесть лет рязанцы увидели спектакли театральных коллективов со всей России: из Нижнего Новгорода, Костромы, Таганрога, Перми, Уфы, Пскова, Кинешмы, Омска, Мытищ, Иванова, Минусинска, Липецка, Тамбова, Лысьвы, Мичуринска. Обильно были представлены театры Санкт-Петербурга и Москвы – от классических прославленных учреждений культуры до различных экспериментальных трупп. Международный статус фестиваля поддерживали показы постановок из Мюнстера, Белграда, Харькова, Неаполя, Актобе, Алматы, Минска. В этом году иностранный ряд продолжили студенческий театр Индонезийского художественного института Паданг-Панджанга и заслуженный коллектив Республики Беларусь – Гомельский областной драматический театр. Приезд коллектива из Индонезии стал в принципе первым серьёзным знакомством фестиваля с театром из стран Азиатского региона. Его спектаклем «Влюблённый Малин» открылся смотр 15 ноября. Открывая фестиваль и приветствуя постановку «Влюблённый Малин», директор Рязанского театра драмы Семён Гречко назвал подвигом приезд индонезийского коллектива в Рязань в наше время тотальных ограничений.
С ним солидарен театральный критик из Санкт-Петербурга Алексей Пасуев, бессменный член жюри на протяжении шести лет. Несколько раз, в том числе в 2021 году, Пасуев был председателем жюри. Я задала ему как главе жюри вопрос, чем шестой фестиваль отличается от предыдущих.
– Отличается, прежде всего, тем, что в наше время, в разгар ограничительных мер, позволить себе привезти коллектив из Индонезии может даже не каждый столичный фестиваль с долгой историей, – ответил Алексей Сергеевич. – Тем не менее, коллектив приехал, несмотря на все преграды. И каждый день, с учётом ограничений, мы видим аншлаги, то есть фестиваль нужен, интересен. Видимо, уже доверие к нему такое, что театр ломится от зрителей…
Действительно, в этом году даже прессе мест на фестивальных показах не всегда хватало. Мне, например, не довелось посетить спектакль «Я танцую как дебил» по пьесе рязанского драматурга Игоря Витренко, идущий на малой сцене. В каждом фестивале есть определённый процент спектаклей, которые идут на малой сцене. В 2021 году таковых, если не ошибаюсь, было четыре. Больше всего из них меня интересовала постановка пьесы Витренко. Во-первых, мы земляки; во-вторых, Игорь – слушатель семинара драматургии Совещания молодых писателей Союза писателей Москвы, где я работаю в семинаре критики, и вообще один из многообещающих отечественных драматургов нового поколения. В-третьих, пьеса «Я танцую как дебил» ставится сразу в нескольких театрах России, как мы выяснили минувшим летом в ходе интервью с Игорем.
Алексей Пасуев буквально расхвалил спектакль «Я танцую как дебил»:
– Очень интересный спектакль Рязанского театра драмы, постановка Арсения Кудри «Я танцую как дебил» по пьесе Игоря Витренко. Как я понял, он попал в программу фестиваля не сразу, а в результате какой-то замены. Удачно, что он стал конкурсным спектаклем. Интересно, что рязанская команда взяла рязанский материал. Это пьеса, написанная современным языком о современном человеке, о его проблемах, внутренних противоречиях. Она апеллирует к молодёжи. На показе мы видели в зале большое количество подростков и юношества, которые пришли потому, что этот язык им ближе и понятнее; они, может быть, и не думали, что театр может так с ними разговаривать, такие слова употреблять и такие темы затрагивать. А теперь оказывается, что всё возможно. Кроме того, спектакль прекрасно сыгран всей актёрской командой и замечательно придуман художником во всех деталях: в оформлении, в костюмах, всё это перекликается, налицо гармоничное общее визуальное решение и отдельные актёрские работы на высоком уровне.
Поздравляю Рязанский театр драмы с победой! В 2019 году в числе призёров фестиваля тоже была тогдашняя рязанская премьера – постановка режиссёра Максима Ларина «Валентин и Валентина» по известной пьесе советского драматурга Михаила Рощина. Игравший Гусева Андрей Блажилин получил диплом за лучшую роль второго плана. Блажилин – «универсальный» актёр с широчайшим диапазоном возможностей. Но сам спектакль меня, увы, не впечатлил. На мой взгляд, ни одну советскую пьесу невозможно органично «перевести» ни на театральный язык современности, ни, тем более, на ментальность нового поколения. От того, что «трёшки до получки» заменяются тысячами, а путёвка в Краснодарский край – туром в Доминикану, не меняется идеология героев, которых невозможно встретить в сегодняшней жизни. А это придаёт спектаклю театральность в плохом смысле слова, и хочется вспомнить коронную фразу Станиславского…
Второй удачей нынешнего фестиваля Алексей Пасуев назвал спектакль театра города Лысьвы «Визит дамы» по одноимённой пьесе Фридриха Дюрренматта.
Пьеса достаточно «давняя» и хорошо знакомая театрам. Более того, существует прекрасный советский фильм с Екатериной Васильевой, переиграть которую очень сложно… Но, тем не менее, лысьвенским артистам это удалось (поверю мнению Пасуева, потому что сама спектакля тоже не видела). По итогам фестиваля 2021 года в большинстве номинаций победили рязанский и лысьвенский проекты. «Визит дамы» жюри назвало лучшим спектаклем фестиваля, а работу исполнительницы роли Клары Цаханассьян Натальи Мироновой – лучшей женской ролью. «Я танцую как дебил» – лучшая режиссёрская работа и лучшие женские роли второго плана молодых актрис Полины Бабаевой и Анастасии Дягилевой.
Я посмотрела один спектакль из «наградного списка»: индонезийское действо «Влюблённый Малин».
Это музыкально-танцевальный спектакль, в котором огромное эмоциональное и смысловое значение имеют пластические и вокальные номера. Как пояснили перед показом ректор университета профессор Новесар Ямарун и руководитель международного отдела вуза Хендра Насутьон, спектакль основан на старинной легенде провинции Минангхабау, из которой они сделали что-то вроде мюзикла. Но на гастролях в Китае и Японии постановщикам сказали, что получилась опера. Тогда проект стали называть традиционной оперой провинции Минангхабау, насыщенной народными танцами и мелодиями. Спектаклю достался приз жюри за лучший актёрский ансамбль. Это правда: молодые артисты работали на редкость сплочённо. Но само действо показалось мне непривычным для нашего взгляда и восприятия. По мне, эта история любви с субтитрами, в каждой сцене перемежавшаяся песнями и плясками, больше всего походила… на индийские фильмы. На такую мысль наводили не только песни и танцы, но и яркие фоны, и «экзальтированная» игра актёров, и любовная драма с чётко прописанными персонажами: влюблённый юноша, его верная невеста, злодей-разлучник, мудрый наставник, чинящая препятствия мама… Но если знакомство с индонезийским театром в рамках фестиваля продолжится, надеюсь, мы станем лучше понимать культуру этой далёкой страны.
В работе шестого фестиваля в качестве члена жюри принимал участие давний друг Рязанского театра драмы, директор Мюнстерского Вольфганг/Борхерт театра, режиссёр и актёр из Германии Майнхард Цангер. Алексей Пасуев отметил пользу от его присутствия в жюри: «Майнхард Цангер внёс в нашу работу взгляд человека другой культуры, другого языка и другой профессии – он не теоретик, а практик. Это придаёт дополнительную оптику нашему жюри. Два года назад, в 2019 году, Вольфганг/Борхерт театр из Мюнстера привёз на рязанский фестиваль постановку режиссёра Тани Вайднер «Гайзенберг» по пьесе Саймона Стивенса, в котором господин Цангер (директор театра) сыграл главную роль. В пьесе всего два героя, соответственно, две главных роли, мужская и женская.
Постановка давала представление о стилистике и языке современного европейского театра: камерный сюжет, выведенный на большую сцену, социально-психологическая проблематика (аутичный мужчина и хитрая беспринципная женщина), элементы пьесы абсурда в поведении персонажей, откровенное изображение постели прямо на сцене – не то чтобы намёки, а прямо бельё долой, и сочетание света и звука, создающее медитативный эффект. Но главным в пьесе, на мой взгляд, был не эротический подтекст, а интеллектуализм. Заглавие пьесы апеллирует к «принципу неопределённости» физика Карла Гайзенберга, который, на взгляд режиссёра, показывает, «что у любви есть не только химия, но и физика». В силу этой физики, видимо, столь разные герои, он ей в отцы годится, и остались вместе как пара. Позже выяснилось, что работа художницы по свету Херменгильд Эрих Флитц получила диплом фестиваля. Стало быть, эксперимент, гипнотизирующий зрителя, был оценён по достоинству.
Надо отметить, что, несмотря на заявленную проблематику «Спектаклей о любви», члены фестивальной команды считают возможным и даже необходимым расширять её.
«Я всегда был за то, чтобы тематику не выдерживать, потому что абсолютно все спектакли в мире – о любви, – считает Алексей Пасуев. – Спектакль о ненависти – это тоже спектакль о любви. Спектакль об одиночестве – тоже спектакль о любви. О недостатке любви. О любви, которая принимает какие-то странные формы. Человек – довольно сложное существо, и чувства его имеют сложную природу. И если бы мы привезли десять спектаклей «Ромео и Джульетта» из разных городов, это было бы слишком лобовым прочтением».
С Пасуевым согласны все участники фестиваля. Практически теми же словами – что всякая пьеса о любви, даже если она не о любви вовсе – говорил художественный руководитель Гомельского драмтеатра Сергей Лагутенко о проекте своего театра «Рыба моей мечты», участнике конкурса 2021 года.
Под этим названием молодой режиссёр Даниил Филиппович поставил пьесу современного драматурга Елены Исаевой «Про мою маму и про меня». Любовь мужчины и женщины в этой пьесе является фоновыми линиями, тогда как сам спектакль – о попытках матери и дочери достичь взаимопонимания путём «переговаривания» их совместной жизни, которая оставила дочери немало детских травм. Главное действующее лицо этой пьесы – любовь. Но не между матерью и дочерью или Леной и Серёжей, а между всеми людьми, в христианском смысле. Чаще всего в мире людей её нет – мешают человеческий эгоизм и будничная суета; но иногда, если приложить усилия, светлое чувство можно возродить хотя бы между двумя людьми. А великое начинается с малого.
Ярким социальным высказыванием был спектакль «Хлеб, история любви во время войны» Театра Луизы Гуарро из Неаполя. Я видела его в 2018 году, когда впервые соприкоснулась с фестивалем «Свидания на Театральной».
Режиссёр Луиза Гуарро также является давним иностранным другом и партнёром Рязанского театра драмы, она ставила для него, в частности, спектакль «Пиноккио. Переплыть море» по оригинальной сказке Карло Коллоди, которую мы знаем как «Приключения Буратино», и это уже совсем другая история. Пьеса «Хлеб, история любви во время войны» была написана на основе рассказа одного из палестинских авторов, переживших оккупацию во время Арабо-израильской войны 1947-1949 годов. Луизе Гуарро мысль инсценировать «Хлеб» подал актёр её театра – беженец из Палестины Омар Сулейман, общественный активист, живущий в Италии более 30 лет и популяризующий палестинскую культуру. Сюжет пьесы строился вокруг первого чувства юноши Рамзи и девушки Суад, разделённых войной. Он солдат, она медсестра в госпитале, влюблённые встречаются по ночам. Однажды им удалось выехать на море, где они провели незабываемую ночь. Но Суад (актриса Марилия Марчиелло) погибла, навещая родню на оккупированной территории. У Рамзи (артист Мауро Раманати) остался хлеб, который любимая когда-то ему принесла. Он долго не решался вкусить его – ведь это уже не продукт, а священная, политая кровью реликвия, но, наконец, съел, во имя тёплых сердечных воспоминаний и потому, что его любимая не хотела бы, чтобы он умер от голода. Для Луизы Гуарро лирическая история стала поводом заявить: «Западный колониальный мир ест окровавленный хлеб каждый день. И мы можем есть этот хлеб, только потому, что мы должны помнить. Это политический долг». «Хлеб» – не только трагедия несостоявшейся любви, но и упрёк человеческому миру в его жестокости, а политикам – в бессмысленности боен.
В том же 2018 году в зарубежной линейке фестиваля был спектакль «Чёрная бурка» Актюбинского областного театра драмы им. Т. Ахтанова (Казахстан), поставленный русской труппой театра.
Это была притча о человеческой бессердечности, воплощённая в формате сказки, в которой участвовали звери: домашний пёс Тузар (Данияр Базаркулов), его извечные враги волки, лиса, заяц… В этой «стае» самым жестоким оказался человек, хозяин Тузара. Он забыл в лесу свою чёрную бурку, уводя отару на зиму домой. Тузар всю зиму охранял её. Волки и прочие лесные звери уже прониклись сочувствием к псу и звали его с собой, но Тузар не решился предать человека и даже уйти с «поста» около его одежды. Вернувшись весной с новой отарой, хозяин (Владимир Венгер) в благодарность пристрелил собаку, потому что она отощала и уже не могла нести службу. Посыл пьесы был однозначным: человек не стоит преданности – он уничтожает природу, губит зверей, ценит не любовь и верность, а практические соображения. Я бы сказала, что «Чёрная бурка» была спектаклем об экологии души. Тем не менее, он органично смотрелся в ряду фестивальных постановок.
Наконец, не могу не упомянуть спектакль московского театра «Школа современной пьесы» по исторической драме Александра Углова «Лондонский треугольник», также показанный в ходе фестиваля 2018 года. Его поставил Дмитрий Астрахан. Роли исполняли Александр Галибин, Вадим Колганов и Джульетта Геринг. Представлял спектакль в Рязани не кто иной, как худрук театра Иосиф Райхельгауз, который отметил: любой фестиваль всегда прекрасен тем, что собираются коллеги, показывают друг другу работы, обсуждают их и комментируют.
«Лондонский треугольник» был разом повествованием о чувствах мужчины и женщины и об исторической правде. Это история любви публицистов Герцена (Вадим Колганов) и Огарёва (Александр Галибин) к одной и той же женщине – Натали Тучковой (Джульетта Геринг), молодой супруге Огарёва. Оказывается, когда публицисты жили в Лондоне и выпускали революционный журнал «Колокол», между ними сложились вот такие пикантные отношения. Тучкова стала гражданской супругой Герцена, родила ему трёх детей… и записала их на фамилию Огарёва по настоянию обоих мужчин, боявшихся скандала. «Лондонский треугольник» показывал то, что осталось за пределами хрестоматийной легенды о двух отроках на Воробьёвых горах. Советским школьникам не говорили, что в зрелом возрасте Огарёв обнищал и спивался, жил за границей с выкупленной из борделя проституткой – впрочем, добросердечной и верной особой. Нам не рассказывали, что Герцен был прижимист и расчётлив и умудрился демократический журнал превратить в бизнес, кормивший его самого, детей от первого брака, любовницу Натали, её отпрысков и Николая Огарёва. Всё это – исторические факты, отражённые в мемуарах Натали Тучковой (Герцен), которыми пользовался автор пьесы Александр Углов. Публицист, в конце концов, женился на Натали по её настоянию. Но он дал ей свою фамилию ровно тогда, когда принял решение порвать с этой женщиной. В итоге «тройственный союз» распался, каждая из вершин треугольника доживала свой век отдельно от других. Натали пережила не только обоих своих мужчин, но и собственных детей: младшие умерли от дифтерии, старшая отравилась назло матери. Спектакль изумительно ярко показывал драму всех участников, актёрские таланты трёх исполнителей ролей, изображавших не только себя, но и целую толпу невидимых героев – от детей до революционно-демократической общественности – были выше всех похвал.
Таким образом, фестиваль «Свидания на Театральной» – уникальная возможность посмотреть лучшие образцы современного театра, не покидая Рязани. Лично мне зачастую не хватает зрелищного разнообразия. А текущий тяжёлый момент усложняет возможность перемещения по России, не говоря уж о большом свете. «Свидания…» можно сравнить с окном в мир. Я за то, чтобы фестиваль продолжался как можно дольше!
Елена Сафронова
